Tècnicas y procedimientos y materiales en el plano II
3º3ª año. 4 horas. 2012
Esta unidad curricular partirà de la Historia del Arte del Impresionismo
hasta el Arte Abstracto enfatizando en los cambios en los procedimientos
gràficos, en el dibujo y grabado a travès del tiempo. Se valorizarà en los
contenidos como fueron surgiendo las diferentes tècnicas y modos de expresiòn,
las caracterìsticas propias de cada movimiento. Se consolidarà el trabajo con nuevos materiales y tècnicas: el
aguafuerte, la aguatinta, estèncil y el gofrado. La exploraciòn de diferentes
soportes contemplarà diferentes papeles, tècnicas artesanales y generaciòn de
texturas.
Recorrido del grabado y pintura desde el Impresionismo hasta el
Movimiento Abstracto en la Historia del Arte
El Impresionismo nace como una evolución a ultranza del Realismo y de la
Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX. El preludio se
encuentra en 1863, con la creación del Salon des Refusés, a modo de
contestación de los Salones Oficiales de Otoño, que mantenían un arte estancado
y carente de originalidad. El Impresionismo se corresponde con una
transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la
burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo
fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que
deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones
campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir. La ciudad, por el contrario,
se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los
flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los
boulevards y los jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus
habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el
ballet, los cafés y sus tertulias. Es un mundo fascinante, del cual los
impresionistas extraen sus temas: en especial Degas o Toulouse-Lautrec.
Partiendo del Grabado y la importancia que tuvo el grabado japonés en la
formación de la pintura contemporánea, especialmente a partir del
impresionismo. El Impresionismo toma prestado de una de sus figuras capitales,
Hokusai, pintor y grabado de la época Edo.
La maestría de su línea, el gusto por el color o la nueva visión que
impone al paisaje, que combina rasgos verdaderamente abstractos con otros
anecdóticos son espectaculares.
Una de las primeras ediciones de la famosa "lola de valence"
de manet, considerado como el padre de los impresionistas. Pese a que se le considera uno
de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido
estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de
acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía
intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros
nuevos». Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por
mucho que se respetaran mutuamente.
Manet,
Lola de Valencia
Otro de los que se regodeò de los impresionistas y su admiraciòn en
común hacia el grabado japonés fuè Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), a
través del cartel artístico, quien acabó consagrándose a la litografía y desarrollando un estilo muy
personal en el que también destaca la importancia que adquirió la tipografía en
sus diseños. Inicia los primeros pasos en la publicidad y el diseño moderno.
Así se ha considerado estudiar dicha relación entre el artista y el cartel, con
el propósito de analizar la innovación y la influencia que marcó Toulouse
posteriormente en el diseño y la publicidad.
El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un
empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera
en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras
presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este
movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se
ha relacionado con la utilización libre del color. Henri Matisse (1869-1954)
estuvo también profundamente comprometido a lo largo de su carrera con la
experimentación de otros medios y las posibilidades únicas que ofrecían para la
expresión creativa. Matisse veía al grabado como una extensión del dibujo, el
cual se integraba a su arte. El grabado fue la primer forma para Matisse de
demostrar a su audiencia el proceso de su trabajo, el carácter de su visión, y
el modo en el cual su dibujo transformaba lo que observaba-. El compromiso de
Matisse con el grabado fue tanto intenso como innovador, mientras se movía de
una técnica a otra, adoptando nuevos métodos que reflejaban la evolución de sus
ideas artísticas. Para Matisse, el grabado capturaba los pasos en el proceso de
su visión artística.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914,
nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del
siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la
pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles,
el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras);
en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo,
despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se
originó así el concepto de «cubismo».
En el Cubismo la relaciòn que mantuvo Picasso con el grabado fue muy
intensa, pudiendo denominarse incluso de pasional, desde que realizara EL ZURDO
en 1899 (esta obra se denominà asì ya que la figura representa un picador que
al ignorar el artista que debìa grabar el tema al revès, representa
involuntariamente la figura invertida). El
aguafuerte y la punta seca son las utilizadas en su primera etapa como grabador, ademàs del ya citado Zurdo, son
tambièn los saltimbanquis de 1904 y 5.
De estos años son tambièn las escasìsimas xilografìas y los primeros monotipos
que realiza Picasso. El primer grabado cubista lo realiza dos años despuès de
haber hecho Las
Señoritas de Avignon, en 1909.
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a
principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera
manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fauvismo francés. Desde Kirchner hasta Beckmann, los artistas
asociados al Expresionismo alemán en las primeras décadas del siglo XX se
volcaron en la realización de grabados con una dedicación y un fervor casi sin
precedentes en la historia del arte. El grabado en madera, de estrías gruesas y
líneas irregulares, les facilitó excelentes posibilidades expresivas, pero
también la litografía les permitió plasmar su visión de la realidad de su
tiempo desde una perspectiva cruda y vibrante. Piezas que nos ofrecen una
amplia recopilación de las preocupaciones sociales y estéticas de maestros
expresionistas como Kokoschka, Kandinsky, Heckel o Nolde, quienes plasmaron en
sus trabajos sus personales enfoques de la vida urbana, el cuerpo y la
sexualidad, la naturaleza, la religión y la espiritualidad.
La etapa correspondiente a la I Guerra Mundial constituye un capítulo
aparte en la muestra, que explorará las repercusiones del conflicto y de sus
secuelas en la producción de Otto Dix y Max Beckmann. Del primero se exhibirán
medio centenar de grabados que repasan sus días de servicio en las trincheras;
del segundo, una serie de litografías alusiva a la decadencia del Berlín de
posguerra.
Dentro del movimiento de pintura Abstracta, a la que se puede
caracterizar como englobando un concepto general, opuesto al concepto de arte
figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos
cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas,
abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de
lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo
exterior a la conciencia, pudo destacarse notablemente el artista.Wassily Kandinsky.
Fuè un pintor y grabador nacido en Rusia, uno de las figuras más importantes en
el desarrollo del arte abstracto. Este grabado en madera "the garden of
love" fue impresa en parís y se entiende como una de las xilografías más
dramáticas de su vasta producciòn. Otros grandes artistas abstractos han dejado
grandes obras: Joan Miro Y Piet Mondrian.
El constructivismo ruso arranca en 1917 con la Revolución de octubre y
se difumina con el estalinismo. Es arte y política, es un manifiesto, una
declaración de intenciones, un discurso. El constructivismo mira a un lado y al
otro: en 1913 ya tenemos el manifiesto de Lirionov, una síntesis de futurismo,
cubismo y orfismo. Observa detenidamente el suprematismo de Malevich (sus
figuras planas que flotan en el espacio), convive y se apoya en él. Y emerge
finalmente entre los tempranos trabajos de Rodchenko y Tatlin donde las figuras pierden todo
referente objetual y ya no hay formas, sino la voluntad de construir a partir
de la nada (el no-objetivismo).
Si el arte se entiende como una técnica, los artistas dejan de ser ese
gremio bohemio y autodidacta que crea desde la intimidad de su estudio y su
ego. Clases, disciplina, rigor, conocimiento de los materiales, manejo de la
técnica. Por decreto de Lenin en 1920 la escuela Industrial de Stroganov y la
escuela de pintura, escultura y arquitectura se funden en una y dan lugar a la
VJUTEMAS, que junto con la Bauhaus conformarán los dos grandes iconos de
escuelas de diseño del siglo XX, sobre las que todavía hoy se asientan nuestras
escuelas de arquitectura y diseño. El elenco de profesores es: Tatlin,
Rodchenko, Popova, Malevich, Lissitzky, Mélnikov, Klutsis, Stepanova… pasaron
por sus aulas impartiendo clases de metalurgia, textiles, teoría del color,
geometría descriptiva… collages, carteles, bocetos, patrones de telas,
mobiliario y juegos de café que tanto Rodchenko como Popova realizaron en estos
años de fiebre productivista (así se llamará la vertiente que apostó por la
utilidad del arte frente a la rama más teórica capitaneada por Gabo y Pevsner
con su “núcleo spiritual”)
Por último en el tema de Simbolismo El arte rupestre del arte rupestre
precolombino de la sabana de Bogotá tiene como presencia milenaria de lo
indígena en un territorio que ha sufrido intensas transformaciones en sus más
de 10.000 años de ocupación, conserva aún hoy cierta memoria, cierta carga
simbólica, que si bien no corresponde con su sentido original, representa una
suerte de vínculo directo con el pasado. En estos lugares se reconoce la
presencia del otro (el indígena) que incluso, a pesar de los siglos de
mestizaje, muchas veces puede ser entendida como el mi mismo a la manera de
vínculo ancestral de las comunidades actuales.
Se podría inferir a partir de estas crónicas que los indígenas del s.
XVI no practicaban la pintura ni el grabado rupestre y que su ocurrencia en el
paisaje era un evento que explicaban mediante el mito. Como no daban razón de
su significado, atribuìan su factura a sus ancestros o a seres míticos. Un caso
similar se puede advertir en la investigación de Fernando Urbina respecto al
arte rupestre del Caquetá, el cual, a pesar de no haber sido realizado por los
indígenas actuales, estos lo interpretan
con sus particulares significados míticos y rituales.
Los vestigios de la historia de la Patagonia en Argentina están al
alcance de todos. Se encuentran en la provincia de Santa Cruz y son las
pinturas rupestres indígenas, que datan de entre 12 mil y 9 mil años. Algunas
de ellas se encuentran en la estancia La María, en el centro este de Santa
Cruz, y otras en la Cueva de las Manos, ubicada en el cañadón del río Pinturas,
al noroeste de la provincia.
La técnica utilizada en la mayoría de los casos es la del negativo de
mano.
Si bien en la Cueva de las Manos, se observa la aplicación de la misma
técnica, las pinturas tienen su origen hace 9.300 años.
Profesor: Mario Inchauspe
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